Traductor

domingo, 28 de septiembre de 2014

La Casa de la Cultura de la Calle - Canciones de cuna

La Casa de la Cultura de la Calle es una organización no gubernamental, creada por iniciativa de Gastón Pauls. “Una noche me encontré con un grupo de cinco chicos que vivían en situación de calle en Plaza Italia. Me acerqué a uno de ellos, de no más de 11 años y le pregunté que necesitaba, él me contestó: yo necesito un lugar para expresar lo que siento, ese fue el punto de partida de este proyecto.” (Gastón Pauls).
La Casa de la Cultura de la Calle es una experiencia artístico-cultural para promover la creatividad y el aprendizaje en infancias y adolescencias en situación de desigualdad y exclusión social.
Su propósito es favorecer la apropiación de nuevas formas de expresión como herramientas para la construcción y re-construcción de la propia individualidad y del tejido social. Desde la CCC se abre un espacio de contención y confianza para que los chicos exploren, descubran y reconozcan maneras de expresarse a través de un hecho artístico, a través del cual no sólo puedan construir una mirada personal y crítica, sino también expresarse con libertad.
Desde el año 2005 se desarrollan talleres y actividades artísticas en las que participan más de 400 chicos y chicas en situación de vulnerabilidad de derechos.


Canciones de Cuna es el primer álbum producido por la asociación civil Casa de la Cultura de la Calle. El objetivo de este proyecto es que los chicos encuentren en la música un lugar de expresión y de producción.
Todas las letras de este CD fueron escritas por chicos de 7 a 21 años. Se trabajó con más de 150 chicos para que desde cada taller (teatro, música, artes plásticas y artes visuales) los chicos escriban textos, canciones, ideas, relatos relacionados a los sueños, a lo que alguna vez les cantaron, a lo que a ellos les gustaría cantarles a sus hijos.
A los músicos que participaron de este proyecto les propusimos que con estas letras compongan e interpreten una canción pensando en cómo les cantarían esa letra a sus hijos. Algo simple, pequeño, una canción de cuna.
Las letras fueron musicalizadas y grabadas por: Ricardo Mollo, Hugo Fattoruso, Luis Alberto Spinetta, Pedro Aznar, Damien Rice, Vitor Ramil, Ulises Butrón, Hilda Lizarazu, Kevin Johansen, Fernando Cabrera, Lisandro Aristimuño, Litto Nebbia, Luka Bloom, Fito Páez, Miguel Cantilo, Gonzalo Aloras y Germán Daffunchio.
Canciones de Cuna fue declarado de Interés Cultural por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires. Actualmente el cd lleva vendidas 15.000 copias.

Para saber donde adquirirlo ingrese a:
www.cancionesdecunaccc.com.ar

Las canciones de cuna son parte de la transmisión cultural oral de las tradiciones que aparecen en América, y que tienen sus orígenes en el cancionero español popular.
Son melodías que se cantan en voz baja o susurrando, suaves y dulces, que sirven para ayudar a calmar y hacer dormir a los niños.

El canto ha acompañado al hombre desde hace miles de años, una mamá que le canta a su bebé produce sentimientos de tranquilidad, de amor, de paz y de arrullo. La música es de las primeras herramientas de comunicación que tenemos con nuestros hijos, y las canciones de cuna son un inicio maravilloso.
Criticas de las canciones de cuna escuchadas:

1)- Nombre de la canción: "Miren".
       Interprete: Fito Paez.
Cuando comenzó la canción pude identificar dos cosas muy claras, una fue la voz del cantante Fito Paez, ya que su voz es muy particular y me encanta en lo personal. El poder escucharlo en una canción de cuna fue algo que no me imaginaba, pero me encanto su tono de voz en conjunto con la letra y el piano que identifique al comienzo.

La melodía era muy tranquilizadora y me transmitía mucha más. Pude imaginarme a la madre con el niño meciéndolos en brazos para poder calmarlo (ya que lloraba) y dormirlo. 
En cuanto a la letra me encanto, en el momento que la escuchaba no podía creer que haya sido escrita por un niño, más bien parecia que hubiese sido escrita por una madre para su hijo. La letra de la canción habla de la protección incondicional que la madre le brinda al niño y que descanse en paz que ella va a estar siempre ahí para protegerlo y cuidarlo de todo. Me podía imaginar el contacto visual entre la madre e hijo y ese juego de miradas tan intimo que se genera cuando la madre mece al niño en brazos.

2)- Nombre de la canción: "Tú mundo".
      Interprete: Hilda Lizarazu.
 Al comenzar está canción de cuna la escuchaba muy entrecortada y no podía darme cuenta quién cantaba. Con respecto a los instrumentos que se utilizaron, que fueron el xilófono y el piano, me parecieron hermosos y adecuados. 
Una vez que la volví a escuchar en mí casa me gusto muchos más y disfrute recién la segunda vez de la voz de la cantante. Era un voz muy dulce que transmitia calma y tranquilidad.
La letra es muy linda; una letra muy sentida y profunda. Me pareció increíble que un niño que vive en la calle pueda destacar el mirar las cosas buenas de la vida pese a todo lo malo. Es esperanzadora, ya que mira lo positivo de la vida y destaca dejar atrás el pasado.



3)- Nombre de la canción: "No me llore tanto".
      Interprete: Ricardo Moyo.


Lo que más me gusto de esta interpretación es la utilización de la guitarra, considero que queda hermoso y transmite mucha calma y paz. Esto también fue logrado en mí parecer por la hermosa voz del cantante "Ricardo Moyo" y poder escucharlo a él en una interpretación de una canción de cuna, fue realmente sorprendente pero para bien.
Si bien la letra de la canción es muy triste y transmite anguistia, me gustó. me permitió imaginarme a un niño llorando y muy angustiado pidiendo a gritos amor y contención. Principalmente me pareció sentida y muy real; transmitió realmente lo que ese niño sintió y siente. 
Simplemente es hermoso que un niño pueda transmitir tantas cosas internas que vivió y pueda hacerlas llegar al que la escucha.

 4)- Nombre de la canción: "Ojitos de mí corazón".
      Interprete: Pedro Aznar.

En está canción de cuna en particular, no me gustaron las pausas que se utilizaron en la melodía, hacían que me pierda en la escucha. 
Con respecto a la letra es realmente dulce y tierna. En un principio, mientras la escuchaba me olvide de que había sido escrita por un niño, ya que es muy parecida a las canciones de cuna típicas que escuchamos y parecía escrita por un adulto.
El instrumento que se utiliza en esta canción es el piano. Y la voz de Pedro Aznar es muy dulce y suave.


5)- Nombre de la canción: "Tan libre como quieras ser".
      Interprete: Miguel Cantilo.

 Hasta ahora las canciones que escuchamos de cantantes hombre me encantaron. me gustó como suena y lo que me transmiten, como también que cambie esto de estar acostumbrados a que la canten las mujeres.
En la canción se utiliza la guitarra como instrumento, esto ayuda en mí parecer a la relajación y la tranquilidad, que son el clima que se debe generar para poder dormir.
Con respecto a la letra es preciosa, es muy esperanzadora y transmite buenos deseos. Me podía imaginar a un padre/madre cantandole a su hijo y se puede observar cuando le dice "...quiero verte crecer tan libre y fuerte". Sentí que lo más importante para ese padre era el bien de su hijo, la libertad y que sea fuerte. Lo más lindo de esta canción es el mensaje de esperanza y deseos hermosos para su bebé. Realmente es muy bella la canción y la interpretación.

6)- Nombre de la canción: "Madre santa".
Interprete: Lisandro Aristimuño.

En está canción de cuna me encantaron los sonidos instrumentales y la letra que es preciosa. La letra me transmitió ese contacto necesario que necesita un niño con sus padres, si bien es triste me encanto. 
La interpretación no me transmitió la calma y tranquilidad de una canción de cuna, ya que la voz del cantante y la voz de opera me parecieron que no quedaban bien a la escucha, me costaba poder imaginarme una situación y no me daban paz para descansar.



      En lo personal me encanto conocer de este proyecto y del espacio que se le brinda a estos niños para expresarse, ya que me parece liberador y necesario para ellos. Aparte desde su experiencia pueden transmitir estos sentimientos que a uno lo movilizan y sensibilizan tanto.
Bibliografía consultada:




Publicadas por a la/s No hay comentarios.:

viernes, 12 de septiembre de 2014

Performance - Marina Abramović - Kseniya Symonova

Performance

 Performance es de origen Inglés que significa actuación, realización, representación, interpretación, hecho, logro o rendimiento. La palabra performance viene del verbo Inglés "to perform" que significa realizar, completar, ejecutar o efectuar. En muchas ocasiones se utiliza en el contexto de exhibiciones en público, o cuando alguien ejecuta algún papel en el ámbito artístico, como un actor, por ejemplo. Performance también puede ser el conjunto de los resultados obtenidos en una determinada prueba o examen por una persona.

 El performance nace en el ámbito de las artes visuales entre los años 40 y 50 aproximadamente. Desde su origen es entendido como una alternativa de expresión artística liberada de convenciones estéticas y espaciales. A través de la intervención escénica, el cuerpo del artista se convierte en unidad autónoma que otorga valor al gesto, al movimiento y a la acción humana.

La performance art (también conocida como "acción artística") apareció alrededor de la década de 1960 y es una forma de expresión artística que puede incluir varias disciplinas como la música, la poesía, el vídeo o el teatro. Este tipo de evento puede ser improvisado por los artistas, y podría tener una audiencia o no.
Es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en la que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un papel principal.
Sin embargo, si decidimos desprendernos de todas estas nuevas formas y totems aceptados: la Performance, no es más que la acción, pero una acción escrita con letras mayúsculas. Es tan solo una disciplina artística donde las únicas normas y reglas establecidas son un previa concepción adquirida sobre el espacio, el tiempo y el cuerpo, y un trabajo de investigación artística sobre el carácter presencial dentro del terreno de las artes plásticas.

Lo que en castellano conocemos como performance, es en realidad mucho más que el adquirido anglicismo “to perform” cuyo significado primario y básico es acción y cuyo ámbito de importancia son las artes escénicas.

La performance es en realidad una acción, que por su carácter presencial puede mutar en diferentes formas; dentro de las que cabe desde complejos proyectos tecnológicos, hasta la más sencilla manifestación humana sin necesidad de ningún artificio añadido.

Esencialmente la performance es una investigación creativa en la que tomamos como premisa, además de la idea creativa propia, los conceptos de Tiempo, Espacio y Cuerpo, para llegar a un resultado, que de uno u otro modo representa la ruptura de “Un Hecho Social”.

El performance es una materia completa, es el arte en su máxima expresión, un medio que salva consciencias por medio de la concientización a través de situaciones hasta cierto punto absurdas o surrealistas que despiertan otros estados metales en la consciencia del espectador y que están ligadas directamente a la sociedad en la que vivimos.
Pongamos un ejemplo: una persona le corta la cabeza a una gallina frente a un público, los espectadores por consiguiente reaccionaran con desagrado. Otros se irán inmediatamente debido a su moral, otros por morbo se quedaran a ver la acción de la gallina corriendo de un lado a otro sin cabeza. La asociación protectora de animales alegaría que eso es una forma inhumana de utilizar a un animal para su exhibición, pero de la misma forma los matan en la industria comestible dejándolos desangrar, así que, en cierta forma habría una justificación, y tiene que ver con el concepto que se le quiera dar a esa acción. El performance o el arte en general, no se trata de convencer  al espectador, el objetivo es obtener una reacción, no importa en que escala se encuentre la reacción ya sea positiva o negativa, ésta debe existir por naturaleza. El concepto le da dirección a la interpretación y entendimiento del espectador frente a la obra, según lo que desea expresar el exponente, pero en realidad el espectador casi siempre le da su propia interpretación al Arte.
La problemática del performance, es que al igual que el ejemplo de la cabeza de gallina, la reacción de los artistas tradicionales frente al arte de acción es de rechazo y por consiguiente la performance no es tomada actualmente como una disciplina de Arte, pero existen los que quieren ver más allá de una gallina corriendo y es por eso que el performance sigue vigente a la par con la tecnología y nuevas ideas.


  “Posición de lectura para una quemadura de segundo grado” Dennis Oppenheim (1970) 
Usar el cuerpo como vínculo físico para transmitir experiencias sensoriales, es la premisa del estadounidense Dennis Oppenheim. En 1970 hizo el performance más reconocido de su carrera, durante cinco  horas se expuso al sol acostado en la arena con un libro sobre el tórax, la mayoría del cuerpo había sufrido quemaduras a excepción de la zona  donde había reposado el libro. Esta obra es una ironía a las nociones de ocio y a las formas exageradas en las que el hombre re-plantea los espacios de esparcimiento. 


 “La muerte misma” Marina Abramovic y Ulay (1997) 
La artista Serbia Marina Abramovic, en compañía del artista germano Ulay, en 1977 llevan a cabo un performance titulo Death self o La muerte misma. En este acto unen sus bocas y recíprocamente respiran el aire emitido por el otro. Transcurridos 17 minutos los dos caen inconsciente ya que los pulmones se les habían llenado de dióxido de carbono y el oxigeno se había agotado por completo. 
Esta obra tenia el objetivo de demostrar simbólicamente la habilidad del ser humano de absorber la vida del otro, generando transformaciones o destrucciones en quienes nos rodean.

Con la performance me paso que al ser algo que desconocía y no entendía para que se hacía ni como podían ser tan distintas desde un artista a otro no llegaba a disfrutarlas. Me gusto adentrarme en el tema e informarme para conocer y así poder volver a verlas y de ahí entenderlas un poco más y realmente saber si me gustaban.
Me gusto conocer que es una forma artística de expresión que utilizan los artistas y ver la originalidad con la que cada artista la lleva a cabo.


Marina Abramovic 


 (Belgrado, Yugoslavia; 30 de Noviembre de 1946).

Artista Serbia del performance que empezó su carrera a comienzos de los años 70. Activa durante más de tres décadas, recientemente se ha descrito a sí misma como la "Abuela del arte de la performance".
El trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente.
Después de mudarse a Ámsterdam, Abramovic conoció al artista de performance germano-occidental Uwe Laysiepen quien usaba el nombre de Ulay. Como dato anecdótico, ambos nacieron el mismo día (aunque no el mismo año).
Cuando Abramović y Ulay comenzaron su colaboración, los conceptos principales que exploraron fueron el ego y la identidad artística. Este fue el comienzo de una década de trabajo colaborativo. Ambos artistas estaban interesados en las tradiciones de sus patrimonios culturales y el deseo del individuo por los ritos. En consecuencia, decidieron formar un colectivo al que llamaron The Other (El Otro). Se vistieron y se comportaron como gemelos, y crearon una relación de completa confianza.
Idearon una serie de trabajos en que sus cuerpos creaban espacios adicionales para la interacción con la audiencia. En Relation in Space (Relación en el espacio) corrían alrededor de la sala, dos cuerpos como dos planetas, mezclando las energías masculinas y femeninas en un tercer componente al que llamaron "that self" (eso mismo). Relation in Movement (Relación en Movimiento, 1976) tenía a la pareja conduciendo su automóvil dentro de un museo dando 365 vueltas, un líquido negro salía del automóvil formando una especie de escultura, y cada vuelta representaba un año.
Después de esto, idearon Death self (La muerte misma), en la cual ambos unían sus labios e inspiraban el aire expelido por el otro hasta agotar todo el oxígeno disponible. Exactamente 17 minutos después del inicio de la performance ambos cayeron al piso inconscientes, ya que sus pulmones se llenaron de dióxido de carbono. Esta pieza exploró la idea de la habilidad del individuo de absorber la vida de otra persona, cambiándola y destruyéndola.
En 1988, luego de varios años de tensa relación, Abramović y Ulay decidieron hacer un viaje espiritual el que daría fin a su relación. Ambos caminarían por la Gran Muralla China, comenzando cada uno por los extremos opuestos y encontrándose en el centro. Abramović concibió esta caminata en un sueño, y le proporcionó lo que para ella era un fin apropiado y romántico a una relación llena de misticismo, energía y atracción.

Al ver las performances de Marina Abramovic, en principio me parecieron chocantes algunas como la que nombre anteriormente de "La muerte misma" ya que en su gran mayoría expone su vida y en lo personal sin entender bien de que se trataban la performance lo consideraba absurdo e innecesario, después de ver algunas y leyendo e informandome que eran comencé a comprenderlas un poco más. Considero que están dirigidas a un público especial que pueda apreciarlas y respetarlas. 
Me parecieron que en su gran mayoría rosan la flagelación  y no estoy acostumbrada a ver y apreciar esa modalidad de expresión, me costo darme cuenta que es lo que quería transmitir con lo que hacía y cual era la finalidad de expresarse de esa manera. Una vez que uno busca información y se adentra en ese mundo y en esa forma de expresión puede llegar a apreciarlo y entenderlo o no.
Me gusto mucho el que ella utilice la performance como parte de su vida y la lleve a cabo hasta el momento en que se dió la separación de su relación. Es una forma muy sana y profunda.

Kseniya Simonova 
(Eupatoria, 22 de Abril de 1985).
Es una artista en animación en arena en Ucrania. Comenzó a dibujar en arena tras el colapso de su negocio como consecuencia de la crisis de crédito y menos de un año más tarde participó en el concurso Ukraine´s Got Talent. Resulto ganadora del concurso en 2009, construyendo una animación acerca de la vida en la Unión Soviética durante la Gran Guerra Patriótica contra el Tercer Reich en la Segunda Guerra Mundial.
Simonova ganó 1.000.000 grivnas ucranianas (cerca de USD 125.000) al obtener el primer lugar en el concurso. Un vídeo de su performance en YouTube ha recibido más de 20 millones de visitas.

Con la performance de Kseniya Simonova me paso algo totalmente distinto ya que desde un principio lo disfrute y quede asombrada de la habilidad que tiene y la belleza de poder comunicar algo que no sea mediante las palabras ni los gestos. Una vez que lo iba viendo el vídeo me emociono al punto de que lo vi varias veces y no dejaba de asombrarme. 
Simonova tiene una habilidad increíble y no podía creer que uno pueda transmitir tanto a través de ese medio.
Está artista logra comunicarse con el público de otra forma totalmente distinta a la que utiliza Marina Abramovic. Es asombroso e increíble como logra comunicarse con el público y emocionarlo mediante el arte y su forma de expresión, ya que desde que comienza hasta el final te mantiene atrapado e inmerso en la historia que nos está contando. Se forma un vínculo maravilloso entre la historia y quién la observa que es muy profundo y lindo de apreciar.

  
Bibliografía consultada:


Publicadas por a la/s No hay comentarios.:
Suscribirse a: Entradas (Atom)