Fuerzabruta es una
compañía teatral Argentina originada en 2003 como
proyecto independiente de la compañía teatral De La Guarda, cuando
estrenó en Buenos Aires su obra homónima. Se
caracteriza por un estilo experimental, la innovación estética y el despliegue
escénico en grandes dimensiones.
La obra se presentó
en Buenos Aires, Lisboa, Londres, Madrid, Barcelona y Nueva York, entre otras ciudades.
A fines del 2003
nace Fuerzabruta. Diqui James uno de los dos fundadores de De La Guarda y Gaby
Kerpel compositor musical de De La Guarda se embarcan en un nuevo proyecto con
el objetivo de crear una compañía que continue la búsqueda creativa, de motivación
e innovación
A la apuesta se
suman Alejandro Garcia, dirección técnica, y Fabio D´Aquila, coordinación
general, ambos ex integrantes de De La Guarda
“El teatro es
creación en el espacio. El lenguaje en su aspecto puramente material. Directo.
Cuerpo a cuerpo. Formando un sueño en común con los espectadores. Real.
Tangible.
Queremos quebrar
el sometimiento intelectual del lenguaje. Usar todos los medios que se dispone
para operar eficazmente sobre la sensibilidad del espectador. Traerlos a otros
territorios donde existen otras leyes más poderosas.
Un espacio donde
la presión de los sentidos afecte la mente.
Donde la velocidad de los estímulos que reciba el espectador supera la reacción intelectual. Que la emoción llegue antes, siempre antes.
Donde la velocidad de los estímulos que reciba el espectador supera la reacción intelectual. Que la emoción llegue antes, siempre antes.
Que pegue en el
cuerpo, debajo de la ropa. Atrás de los ojos. Adentro.
Un espacio donde el espectador se entregue, sabiendo que forma parte de un hecho artístico, que esta adentro de una realidad paralela, etérea, bella, delirante y absolutamente mas verdadera que la cotidiana.
Donde el espectador sabe que esta siendo conducido a estrellarse contra su propia sensibilidad. Una sensibilidad colectiva, universal"
Un espacio donde el espectador se entregue, sabiendo que forma parte de un hecho artístico, que esta adentro de una realidad paralela, etérea, bella, delirante y absolutamente mas verdadera que la cotidiana.
Donde el espectador sabe que esta siendo conducido a estrellarse contra su propia sensibilidad. Una sensibilidad colectiva, universal"
El conjunto de
actores, escenografía y público es lo que genera la acción teatral. Cada uno
tiene su rol. Junto con la música y los efectos.
Que el público
forme parte de la acción hace que su comportamiento modifique la obra. También
hace que la obra sea más verdadera, que se note más cuando hay mentira. Que la
obra tenga menos desgaste con la repetición, ya que el público se renueva
.
La reacción
espontánea del público condiciona a los demás elementos a ser más contundentes.
A ser reales. Podemos elegir como los actores responden a los estímulos, pero
no podemos hacer lo mismo con el público, que siempre responderá de manera
verdadera, no planificada. Si lo que hacemos no los conmueve, la obra naufraga
durante la función.
Critica:
Fuerza
bruta me pareció impactante y quizás utilizó esta palabra por el impacto de los
distintos cuadros presentados, el impacto de los distintos movimientos con el
cuerpo y con objetos. Realmente es increíble la presentación de este producto y
como logra llevar al público/espectador a donde realmente se pretende. No es
casual que el público me anime a formar parte de este maravilloso producto,
sino que es el todo lo que invita a hacerlo.
Había
escuchado hablar de este espectáculo y todas las criticas que había recibido
del mismo eran muy buenas, lo hacían algo tan distinto a lo que uno está
acostumbrado que no se me había ocurrido ir a verlo ya que no creía en un
cierto punto que sea una propuesta tan interesante como la que pude ver hasta
este momento. Me deslumbró principalmente como invita al espectador y lo hace
participe, utiliza una visión innovadora en relación a los espectáculos a los
que asisto. Lo más valioso es la interacción con el público y el cambio de
protagonismo que ocurre constantemente entre este y el espectáculo. Lo vi como
si fuera un dialogo constantemente en el cual realizan una propuesta en cada
cuadra y durante el mismo se estimula al espectador a participar y responder a
la propuesta presentada. Esta modalidad se repite en todos los cuadros que
realizan.
Otras
de las cosas importantes a destacar es el conjunto de todo en la parte del
todo. Con esto quiero decir que todo lo que realizan los actores tiene un
sentido, todo lo que realizan es de forma intencional pero a su vez da una
libre interpretación al espectador o simplemente sin buscar esa interpretación
se puede disfrutar y vivenciar esas situaciones a modo de disfrute y desinhibición
para animarse a actuar con ellos.
En lo
personal no considero que pueda asistir cualquiera al espectáculo ya que hay
distintas situaciones en las que no todos pueden formar parte como por ejemplo
cuando baja la pileta de acrílico y se coloca por encima de las cabezas a un claustrofóbico
le haría mal, y realmente por lo que vi lo cuadros no se anticipan y uno no
puede anticipar en que situaciones puede participar y cuando debe correrse y
solo apreciar desde afuera. Considero que está dirigido a un público
particular, que se anime y que se encuentre dispuesto y abierto a las variadas
situaciones que pueda brindar; y sobre todo a un público activo y participativo
ya que es muy importante en el conjunto.
En
cuanto a los actores, es muy notorio que para formar parte del elenco tiene que
cumplir determinadas condiciones. Por la puesta en escena lo que se ve
reflejado es el estado físico y la preparación que tienen, otra cosa a destacar
es la transmisión de las distintas sensaciones que van a travesando, es muy
importante como logran esto, ya que así se lo transmiten al espectador y es
posible sentirlo y acompañar de forma activa.
El espectáculo
está compuesto por cuadros autónomos, en los que cada obra es diferente. Esto
permite que se puedan alternar las distintas escenas y no alteraría el factor
de la obra. En cada cuadro son visibles las distintas situaciones o conflictos
que hay. Lo innovador considero que está en que no hay una lógica de
comprensión, sino en la libre interpretación del espectador.
Al
comenzar el video no comprendía de que se trataba y cuando vi el primer cuadro “El
corredor” enseguida capto mi atención. Me impresiono la exposición y como el
actor con un objeto (la cinta) y su cuerpo podía mostrar y transmitir muchas
sensaciones. En principio solo disfrutaba de ver la obra y luego en conjunto
con la música y el efecto de las luces y el sonido del disparo me impacto y sin
quererlo comencé a pensar cual era el significado que quería transmitir. Es increíble
cómo estamos acostumbrados a buscar un significado a todo y nos cuesta tanto el
mirar por el disfrute únicamente. En ese momento lo relacione con la vida en
sí, que pese a las dificultades uno se levanta y sigue.
El
cuadro lo disfrute, pero en algún punto me centre en cuál era el sentido. Una
vez que pude sacar esa conclusión, seguí disfrutando y me impacto como el todo
hacía que lo disfrute, no solo el actor corriendo por la cinta, sino también la
importancia del ruido del disparo, la iluminación centrada en el corredor y la
utilización del espacio.
Otro
de los cuadros que me impresiono fue uno el cual un hombre se acostada y luego
era colgado por un arnés hacía arriba donde se encontraba con una chica y
comenzaban a realizar movimientos distintos y luego de un tiempo pasaban a ser
sincronizados. Me hizo pensar en una historia de amor en la que había
desencuentros y después se encontraban. A esta interpretación que me transmitió
aporto mucho la iluminación, ya que dejo de ser luz blanca y era una luz roja
intensa como de pasión y otras de las cosas que me hizo pensar en el
desencuentro fue el cristal por el que estaban divididos como una barrera
impidiendo que estén juntos.
Hubo
un cuadro que consistía en una tela plateada desde el techo hasta el piso y
había tres mujeres colgadas de arneses caminando y realizando distintos
movimientos. Este cuadro simplemente lo disfrute y mucho gracias al efecto de
las luces de distintos colores y lo hermoso que se reflejaban en la tela
plateada.
Los
efectos sonoros utilizados en este espectáculo no son articulados debido a que
producen ruidos como gritos, pero no palabras. En los casos que utilizaban
palabras no eran claras y estaban distorsionadas. Considero que el grito es
parte de esa fuerza bruta que todos llevamos dentro y la necesidad de sacarla
afuera.
Los
signos auditivos que pude percibir estaban principalmente centrados en los
movimientos que realizaban los actores. Es decir que era utilizado como un
recurso del cuadro presentado que acompañaba las acciones. Ayudaban a
diferenciar estos cambios bruscos de suave a fuerte. Siempre la musicalización
era instrumental y en ocasiones sonidos vocales como gritos.
La
sonorización/musicalización hace parte del todo en la comprensión personal de
cada uno sobre ese cuadro en particular. Por ejemplo había algunos casos en los
que nos trasladaban a estar en una fiesta electrónica, no solo por la
musicalización, sino también por la respuesta del público bailando; en otros
casos marcaban los distintos ritmos de movimientos. Es un recurso que le sirve
al espectador para que pueda dejarse llevar y responder.
En
cuanto a los signos visuales, es increíble cómo se utiliza el espacio en este espectáculo
es la utilización del espacio que no es convencional, ya que se utiliza todo el
espacio y en todas sus dimensiones. Lleva al espectador a estar atento debido a
que cuando cambian de cuadro, lo hacen en distintos espacios. Por momentos lo
hacen de forma horizontal, otros en forma vertical. También hacen cuadros
arriba de unos carros con ruedas que son colocados en el medio del público y
otras veces en el techo colgados de arneses.
La
iluminación era un punto central, ya que no solo nos daba la pauta de que
cuando se apagaba finalizaba el cuadro realizado y cuando se prendía en un
determinado lugar daba indicio del comienzo de otro cuadro. Por momentos la
iluminación servía a modo de guía para el espectador, pero también era
utilizada como recurso en todos los cuadros ya que iban cambiando los distintos
colores, la intensidad y la focalización.
Otro
de los aspectos era los distintos movimientos y expresiones que los actores
realizaban con el cuerpo, al principio eran suaves y de un segundo al otra eran
fuertes y bruscos. Las partes del cuerpo que utilizaban eran variadas y
dependiendo el cuadro había partes del cuerpo que captaban más la atención y principalmente
mostraban por donde salía expulsada esta fuerza bruta. Siempre iba dirigida
hacía un objeto en concreto. Los actores transmitían de forma muy clara las
sensaciones o sentimientos que iban atravesando para que al mirarlos uno como
espectador los pueda sentir.
Los
actores captan la atención principalmente por los movimientos del cuerpo y los
contrastes que realizan de estos como de suave a fuerte. La vestimenta que
utilizan por lo general en los cuadros es poca y cómoda para que puedan
realizar los distintos movimientos.
A
diferencia de otros espectáculos, el foco no está puedo en la vestimenta ni en
el maquillaje, sino en las acciones que realizan con otros actores y/o con
diversos objetos. En este espectáculo la prioridad esta puesta en los
movimientos en conjunto con la iluminación, sonorización, la puesta en escena y
sobre todo en la interacción activa con el público espectador.
También
se pueden destacar algunos signos fuera del actor como los que nombre
anteriormente acerca de la disposición del espacio. Ya que no es casual que se
realice en un espacio amplio el espectáculo en el cual no esté compuesto por un
escenario central, sino que permita flexibilidad en la utilización del mismo en
los distintos cuadros. Otra de las cosas es la preparación física, exposición y
transmisión de los actores que participan en este espectáculo.
Y por
último la importancia y el protagonismo de los materiales y objetos que
utilizaban en cada cuadro. Eran tan importantes como la iluminación, la musicalización
y la actuación de los actores.
Bibliografía consultada:
No hay comentarios.:
Publicar un comentario