Traductor

miércoles, 12 de noviembre de 2014

FuerzaBruta

Fuerzabruta es una compañía teatral Argentina originada en 2003 como proyecto independiente de la compañía teatral De La Guarda, cuando estrenó en Buenos Aires su obra homónima. Se caracteriza por un estilo experimental, la innovación estética y el despliegue escénico en grandes dimensiones.
La obra se presentó en Buenos AiresLisboaLondresMadridBarcelona y Nueva York, entre otras ciudades.
A fines del 2003 nace Fuerzabruta. Diqui James uno de los dos fundadores de De La Guarda y Gaby Kerpel compositor musical de De La Guarda se embarcan en un nuevo proyecto con el objetivo de crear una compañía que continue la búsqueda creativa, de motivación e innovación
A la apuesta se suman Alejandro Garcia, dirección técnica, y Fabio D´Aquila, coordinación general, ambos ex integrantes de De La Guarda

“El teatro es creación en el espacio. El lenguaje en su aspecto puramente material. Directo. Cuerpo a cuerpo. Formando un sueño en común con los espectadores. Real. Tangible.
Queremos quebrar el sometimiento intelectual del lenguaje. Usar todos los medios que se dispone para operar eficazmente sobre la sensibilidad del espectador. Traerlos a otros territorios donde existen otras leyes más poderosas.
Un espacio donde la presión de los sentidos afecte la mente.
Donde la velocidad de los estímulos que reciba el espectador supera la reacción intelectual. Que la emoción llegue antes, siempre antes.
Que pegue en el cuerpo, debajo de la ropa. Atrás de los ojos. Adentro.
Un espacio donde el espectador se entregue, sabiendo que forma parte de un hecho artístico, que esta adentro de una realidad paralela, etérea, bella, delirante y absolutamente mas verdadera que la cotidiana.
Donde el espectador sabe que esta siendo conducido a estrellarse contra su propia sensibilidad. Una sensibilidad colectiva, universal"

El conjunto de actores, escenografía y público es lo que genera la acción teatral. Cada uno tiene su rol. Junto con la música y los efectos.
Que el público forme parte de la acción hace que su comportamiento modifique la obra. También hace que la obra sea más verdadera, que se note más cuando hay mentira. Que la obra tenga menos desgaste con la repetición, ya que el público se renueva
.
La reacción espontánea del público condiciona a los demás elementos a ser más contundentes. A ser reales. Podemos elegir como los actores responden a los estímulos, pero no podemos hacer lo mismo con el público, que siempre responderá de manera verdadera, no planificada. Si lo que hacemos no los conmueve, la obra naufraga durante la función.

Critica:

Fuerza bruta me pareció impactante y quizás utilizó esta palabra por el impacto de los distintos cuadros presentados, el impacto de los distintos movimientos con el cuerpo y con objetos. Realmente es increíble la presentación de este producto y como logra llevar al público/espectador a donde realmente se pretende. No es casual que el público me anime a formar parte de este maravilloso producto, sino que es el todo lo que invita a hacerlo.

Había escuchado hablar de este espectáculo y todas las criticas que había recibido del mismo eran muy buenas, lo hacían algo tan distinto a lo que uno está acostumbrado que no se me había ocurrido ir a verlo ya que no creía en un cierto punto que sea una propuesta tan interesante como la que pude ver hasta este momento. Me deslumbró principalmente como invita al espectador y lo hace participe, utiliza una visión innovadora en relación a los espectáculos a los que asisto. Lo más valioso es la interacción con el público y el cambio de protagonismo que ocurre constantemente entre este y el espectáculo. Lo vi como si fuera un dialogo constantemente en el cual realizan una propuesta en cada cuadra y durante el mismo se estimula al espectador a participar y responder a la propuesta presentada. Esta modalidad se repite en todos los cuadros que realizan.
Otras de las cosas importantes a destacar es el conjunto de todo en la parte del todo. Con esto quiero decir que todo lo que realizan los actores tiene un sentido, todo lo que realizan es de forma intencional pero a su vez da una libre interpretación al espectador o simplemente sin buscar esa interpretación se puede disfrutar y vivenciar esas situaciones a modo de disfrute y desinhibición para animarse a actuar con ellos.
En lo personal no considero que pueda asistir cualquiera al espectáculo ya que hay distintas situaciones en las que no todos pueden formar parte como por ejemplo cuando baja la pileta de acrílico y se coloca por encima de las cabezas a un claustrofóbico le haría mal, y realmente por lo que vi lo cuadros no se anticipan y uno no puede anticipar en que situaciones puede participar y cuando debe correrse y solo apreciar desde afuera. Considero que está dirigido a un público particular, que se anime y que se encuentre dispuesto y abierto a las variadas situaciones que pueda brindar; y sobre todo a un público activo y participativo ya que es muy importante en el conjunto.
En cuanto a los actores, es muy notorio que para formar parte del elenco tiene que cumplir determinadas condiciones. Por la puesta en escena lo que se ve reflejado es el estado físico y la preparación que tienen, otra cosa a destacar es la transmisión de las distintas sensaciones que van a travesando, es muy importante como logran esto, ya que así se lo transmiten al espectador y es posible sentirlo y acompañar de forma activa.
El espectáculo está compuesto por cuadros autónomos, en los que cada obra es diferente. Esto permite que se puedan alternar las distintas escenas y no alteraría el factor de la obra. En cada cuadro son visibles las distintas situaciones o conflictos que hay. Lo innovador considero que está en que no hay una lógica de comprensión, sino en la libre interpretación del espectador.
Al comenzar el video no comprendía de que se trataba y cuando vi el primer cuadro “El corredor” enseguida capto mi atención. Me impresiono la exposición y como el actor con un objeto (la cinta) y su cuerpo podía mostrar y transmitir muchas sensaciones. En principio solo disfrutaba de ver la obra y luego en conjunto con la música y el efecto de las luces y el sonido del disparo me impacto y sin quererlo comencé a pensar cual era el significado que quería transmitir. Es increíble cómo estamos acostumbrados a buscar un significado a todo y nos cuesta tanto el mirar por el disfrute únicamente. En ese momento lo relacione con la vida en sí, que pese a las dificultades uno se levanta y sigue.

El cuadro lo disfrute, pero en algún punto me centre en cuál era el sentido. Una vez que pude sacar esa conclusión, seguí disfrutando y me impacto como el todo hacía que lo disfrute, no solo el actor corriendo por la cinta, sino también la importancia del ruido del disparo, la iluminación centrada en el corredor y la utilización del espacio.
Otro de los cuadros que me impresiono fue uno el cual un hombre se acostada y luego era colgado por un arnés hacía arriba donde se encontraba con una chica y comenzaban a realizar movimientos distintos y luego de un tiempo pasaban a ser sincronizados. Me hizo pensar en una historia de amor en la que había desencuentros y después se encontraban. A esta interpretación que me transmitió aporto mucho la iluminación, ya que dejo de ser luz blanca y era una luz roja intensa como de pasión y otras de las cosas que me hizo pensar en el desencuentro fue el cristal por el que estaban divididos como una barrera impidiendo que estén juntos.
Hubo un cuadro que consistía en una tela plateada desde el techo hasta el piso y había tres mujeres colgadas de arneses caminando y realizando distintos movimientos. Este cuadro simplemente lo disfrute y mucho gracias al efecto de las luces de distintos colores y lo hermoso que se reflejaban en la tela plateada.
Los efectos sonoros utilizados en este espectáculo no son articulados debido a que producen ruidos como gritos, pero no palabras. En los casos que utilizaban palabras no eran claras y estaban distorsionadas. Considero que el grito es parte de esa fuerza bruta que todos llevamos dentro y la necesidad de sacarla afuera.
Los signos auditivos que pude percibir estaban principalmente centrados en los movimientos que realizaban los actores. Es decir que era utilizado como un recurso del cuadro presentado que acompañaba las acciones. Ayudaban a diferenciar estos cambios bruscos de suave a fuerte. Siempre la musicalización era instrumental y en ocasiones sonidos vocales como gritos.
La sonorización/musicalización hace parte del todo en la comprensión personal de cada uno sobre ese cuadro en particular. Por ejemplo había algunos casos en los que nos trasladaban a estar en una fiesta electrónica, no solo por la musicalización, sino también por la respuesta del público bailando; en otros casos marcaban los distintos ritmos de movimientos. Es un recurso que le sirve al espectador para que pueda dejarse llevar y responder.

En cuanto a los signos visuales, es increíble cómo se utiliza el espacio en este espectáculo es la utilización del espacio que no es convencional, ya que se utiliza todo el espacio y en todas sus dimensiones. Lleva al espectador a estar atento debido a que cuando cambian de cuadro, lo hacen en distintos espacios. Por momentos lo hacen de forma horizontal, otros en forma vertical. También hacen cuadros arriba de unos carros con ruedas que son colocados en el medio del público y otras veces en el techo colgados de arneses.
La iluminación era un punto central, ya que no solo nos daba la pauta de que cuando se apagaba finalizaba el cuadro realizado y cuando se prendía en un determinado lugar daba indicio del comienzo de otro cuadro. Por momentos la iluminación servía a modo de guía para el espectador, pero también era utilizada como recurso en todos los cuadros ya que iban cambiando los distintos colores, la intensidad y la focalización.
Otro de los aspectos era los distintos movimientos y expresiones que los actores realizaban con el cuerpo, al principio eran suaves y de un segundo al otra eran fuertes y bruscos. Las partes del cuerpo que utilizaban eran variadas y dependiendo el cuadro había partes del cuerpo que captaban más la atención y principalmente mostraban por donde salía expulsada esta fuerza bruta. Siempre iba dirigida hacía un objeto en concreto. Los actores transmitían de forma muy clara las sensaciones o sentimientos que iban atravesando para que al mirarlos uno como espectador los pueda sentir.
Los actores captan la atención principalmente por los movimientos del cuerpo y los contrastes que realizan de estos como de suave a fuerte. La vestimenta que utilizan por lo general en los cuadros es poca y cómoda para que puedan realizar los distintos movimientos.
A diferencia de otros espectáculos, el foco no está puedo en la vestimenta ni en el maquillaje, sino en las acciones que realizan con otros actores y/o con diversos objetos. En este espectáculo la prioridad esta puesta en los movimientos en conjunto con la iluminación, sonorización, la puesta en escena y sobre todo en la interacción activa con el público espectador.
También se pueden destacar algunos signos fuera del actor como los que nombre anteriormente acerca de la disposición del espacio. Ya que no es casual que se realice en un espacio amplio el espectáculo en el cual no esté compuesto por un escenario central, sino que permita flexibilidad en la utilización del mismo en los distintos cuadros. Otra de las cosas es la preparación física, exposición y transmisión de los actores que participan en este espectáculo.
Y por último la importancia y el protagonismo de los materiales y objetos que utilizaban en cada cuadro. Eran tan importantes como la iluminación, la musicalización y la actuación de los actores.


 Bibliografía consultada:


No hay comentarios.:

Publicar un comentario